Para los tradicionalistas que prefieren el realismo y la belleza estética, proporcional, fiel a lo que representa, de los grandes maestros renacentistas, la anterior es la expresión más acertada cuando se aprecian por primera vez las piezas de Wilfredo Prieto; sin embargo no es tan simple lo que se observa, ni tan aleatoria su intención.
A Gibara llegan los conceptos y yuxtaposiciones del prestigioso creador, gracias a la 15 Edición del Festival de Cine. Como un gran privilegio catalogó Jorge Perugorría (Pichi), Presidente del Evento, la deferencia de esta muestra en la costera ciudad de Holguín.
Foto: Elier Cabrera
“Ética y estética” es la propuesta aparentemente intrascendente a la percepción del visitante ingenuo, y es que precisamente son un total de once obras de dimensiones variables las que ocupan toda la sala del Museo de Historia Natural, las cuales se insertan dentro del contexto de las colecciones museables, para evocar determinados puntos de vista críticos del autor.
Desayuno con la reina, Piedra iluminada sin iluminar, o El alma se lleva la materia, son algunos de los títulos que dan pie a estas creaciones, las cuales se auxilian, además del contexto, de materiales sencillos, simples y cotidianos como un huevo, una taza, o un frasco de perfume. Sin embargo, esta aparente sutileza es trascendida a través de ciertas metáforas que reflexionan en torno al poder, las paradojas de las relaciones sociales y el efecto e incidencia de las fluctuaciones económicas y políticas.
La tarde de este miércoles 10 de julio encontró una propuesta sugerente dentro del programa de actividades del Festival, con la exposición de la obra de Wilfredo Prieto, el cual implementa indistintamente instalación, video o performance, proponiendo espacios de una peculiar poética de la escala, dotando de significado la magnitud de un objeto y la banalidad de un gesto. La cultura contemporánea, el consumo, la sociedad y el pensamiento mismo son ejes centrales en su trabajo, que en definitiva cuestiona estas estructuras básicas.
No importa el espacio o el contexto, a donde él llega transforma su obra hasta el punto de hacerla casi imperceptible, Wilfredo es un artista que se adapta absolutamente al medio, sin embargo, hay detrás de esta supuesta simplicidad un estudio minucioso de la existencia humana y todas las cuestiones socioculturales para lograr un producto pintoresco. Wilfredo es fiel defensor del arte conceptual, ese que a veces contrariadamente se piensa que no forma parte del arte, demostrando que hay arte en todas partes, más allá de que a primera vista no se note.
Quizás lo más desacertado de trasladar el Festival Internacional de Cine de Gibara para el mes de julio, sea el calor casi insoportable que por estos días se siente en la Villa Blanca, aunque el visitante extranjero dudo que piense de igual forma, ya que ellos disfrutan más de una tarde de sol, mientras los cubanos nos escurrimos por la más mínima sombra para no sufrir los embates de nuestro ardiente sol tropical.
Nada mejor para socavar este sofocante verano que una buena plática sobre cine, y es por ello que durante las tardes la Casa de Cultura de este territorio costero de Holguín deviene en espacio propicio para el debate en torno a las artes, y específicamente al séptimo, el cual nos ocupa indiscutiblemente.
Foto: Eliécer Cabrera
El Encuentro con profesionales del Cine Español se desarrolló en la tarde de este miércoles 10, momento propicio para publicitar los proyectos de varios invitados ibéricos al Festival, así como conocer los derroteros del cine que en esta región insular se produce.
Un intrigante plan colocará a tres guardias de seguridad madrileños de mediana edad que están en paro durante la España de la poscrisis, en un viaje revelador de ciertas verdades y elementos de su amistad, aparentemente imperceptibles para los protagonistas. Paulo Menargues, director del largometraje de ficción El Plan, explicó que en tres intensas semanas de rodaje realizaron esta película: “un reto a nivel de concepto porque se trataba de rodarla íntegramente en un piso-apartamento-, durante varias semanas, en el que convivimos cerca de cuarenta personas, por lo que el esfuerzo de los actores es un elemento a destacar”.
“No tenemos ninguna obra en concurso, pero hemos acudido a Gibara por el placer de disfrutar un espacio tan bonito como este del cual nos habían comentado ya varios amigos, y aprovechando nuestra presencia presentaremos nuestro proyecto que es un largometraje de ficción: El Plan, protagonizado por Antonio de la Torre, con Raúl Arévalo y Chema del Vargo; adaptación de una obra de teatro homónima-escrita por Ignacio Vidal-, el cual tenemos previsto estrenar el próximo otoño”, apuntó Menargues.
Historias bien controvertidas sobre temas no muy cotidianos e incluso tabúes para la sociedad tradicional son las que nos trae Javier Muñiz, Director del Festival Internacional de Cortos de la Ciudad de Soria, e integrante del jurado en Documental, Animación y Videoarte durante la presente edición del FIC Gibara. Una muestra de cortometrajes de temática sexual a manera de investigación en todas estas relaciones de pareja, es la que nos llega desde esta pequeña ciudad de Madrid, para ilustrar diferentes conflictos como la incapacidad de tener hijos de un matrimonio y las medidas desesperadas que estos llegan a tomar, el caso de una alumna que es irresistible a los profesores, o incluso la controvertida relación sadomasoquista de una mujer con su esposo, donde la primera justifica su aberración sexual como algo común, normal. Según Muñiz, el criterio de selección para esta muestra fue el de crear sorpresa en el espectador, así como de exhibir historias bien contadas sobre situaciones no tan cotidianas que se ponen en valor en la pantalla.
Panel sobre cine iberoamericano. Fotos: Adrián Aguilera
Los días que vendrán es una llamativa propuesta de Carlos Marques-Marcet, película que, al decir de su director, cierra una especie de tríptico iniciado hace cinco años con varios rodajes accidentales, no planeados: “Justo en medio de un rodaje el año pasado dos de nuestros actores se enteraron que estaban embarazados-que es como se denomina ahora a la concepción en pareja-, y surgió la idea de graficar cinematográficamente el periodo de gestación. Es una película en paralelo, hecha en presente, con un guión que se desarrolló cada semana, y luego de que parieron rodamos un año y medio más. Es un film de ficción que aprovecha el cambio de cuerpo y otros conflictos que se dan cuando se procrea”, acotó.
Un llamado a la reflexión, así como a solidarizarnos con la reciente causa del pueblo sirio nos propone Vicente Monsonís, a través de su documental Filoxenia, el rapto de Europa. El también jurado de Guión inédito y cine en construcción, dentro de la presente cita del Festival de Gibara, expresó su sincero agradecimiento por la invitación, debido a que hace 22 años hizo la especialidad de Cine en la escuela de San Antonio de los Baños, momento que cambió radicalmente su vida, pues fue a través de esta beca de seis meses donde encontró su vocación: “Venir al Festival es un regalo, como cerrar un círculo que inició hace años, justo en La Habana”, expresó.
Sobre el éxodo de los refugiados sirios hacia Europa con motivo de la guerra que recientemente se libró en ese país, versa el largometraje documental. Filoxenia es el antónimo de Xenofobia, odio al extraño, al extranjero; su título surge precisamente de la difícil situación a que estuvieron sometidas todas aquellas personas que se vieron obligadas a abandonar su país de origen a causa de la guerra, por temor a perder su vida.
“Nos dimos cuenta de que todas esas noticias sobre refugiados, gente aislada en las ciudades, jóvenes sin oportunidades laborales, no están tan desvinculadas como nos muestran: todas son síntomas del mismo problema, las políticas neoliberales, que al final están atentando contra el espíritu fundacional de la Unión Europea”, destacó Monsonís, quien además señala como aspecto relevante dentro de su documental las duras imágenes, imprescindibles de colocar: “aunque solo es un ínfimo porcentaje de lo que tuvimos que ver, o de lo que han vivido las personas en medio de esta tragedia”.
Hoy me he ido al cine a ver Fresa y chocolate, que es quizá la película cubana que más haya visto en mi vida, digamos que unas 10 veces. La primera vez que la vi, tendría diecisiete años. Fue mi padre quien me dijo, ven, para que conozcas a Diego, y yo me quedé alucinada ante aquel hombre que hablaba de una silla para leer a John Donne ¿sillas solo para leer poesía? y de la Callas y de la porcelana de Sévres y que amaba los vitrales, los guardavecinos, y las calles de esa Habana que sentía, que sufría, que vivía.
Película Fresa y chocolate restaurada. Foto: Adrián Aguilera
Por suerte yo también tuve un Diego en mi vida, alguien que me hizo té de la india y me obsequió libros alucinantes mientras escuchábamos arias y sentíamos el privilegio de no ser otro en la cola, bajo el sol.
La primera vez que vi a Senel Paz, quien escribió el cuento en que se basa el guión de Fresa…fue un año después de ver la película. Yo era entonces estudiante de Técnicas Narrativas en el Centro Onelio Jorge Cardoso y él nos habló de cómo escribía sus libros y de El lobo, el bosque y el hombre nuevo, uno de los cuentos más fascinantes que haya leído.
Todavía recuerdo aquel fragmento en el que se narraba como Diego se había hecho maricón y veo al basquetbolista desnudo bajo la ducha, bañado por los chorros de luz que eran más dignos de los rosetones de Notre Dame que de la claraboya del convento y cómo esa luz sacaba tornasoles de su cuerpo y puedo ver la luz descrita, salir de entre las letras del cuento e iluminarme la cara.
Debo decir que cometí el error de ver primero la película y leer luego el cuento, porque en la lectura ya Diego no fue un Diego imaginado sino siempre en mi mente la imagen de Jorge Perugorría y David, no fue otro que Vladímir Cruz, de hecho cuando leí En el cielo con diamantes, el último libro de Senel Paz que he leído, el protagonista seguía siendo Vladímir Cruz, como si no pudiera despegar sus físicos de la historia. Y cuando eso sucede en la mente del lector es porque los actores se apropiaron tanto de los personajes que los hicieron ellos y eso, solo lo logran los grandes artistas y los grandes directores.
Pocas adaptaciones al cine, de cuentos y novelas, me han complacido tanto como esta, y por si alguien dice: porque es un cuento realista. Se lo respeto. Pero igual defiendo que tanto la película como el cuento te dejan ese no sé de tristeza y alegría mezclados con esperanza que solo logran las adaptaciones brillantes.
Hace dos años me fui a la Catedral del Helado y leí el final del cuento, un final como para salir corriendo loma abajo y gritar el nombre de alguien a quien se ama mucho, una de esas cosas que uno siente que se debe desde siempre, y me pedí un helado de fresas (habiendo chocolate) que no tenía fresas, pero era una maravilla, se los juro. El mejor helado de mis últimos años.
Sobre los retos que tiene el cine iberoamericano en la actualidad, su producción, circulación y la debida promoción, en pos de mejorar la calidad de su factura e intentar llegar a todo tipo de espectadores, así como el necesario papel de los festivales de cine, como ventanas para el intercambio y socialización de las películas, se debatió este jueves en un panel conformando por diversos realizadores de estas latitudes.
Panel sobre cine iberoamericano. Fotos: Adrián Aguilera
Moderado por el productor Antonio Pozueco, jurado en la Categoría de Cine en Construcción en el intercambio participaron Vicente Monsonís, guionista, productor, director y también Presidente del Jurado en esta misma categoría; la actriz y directora IshtarYasin; Mauro Sarser, realizador audiovisual, músico, actor y jurado en el apartado de Ficción;los guionistas y directores Carlos Marqués-Marcet y Juan Caunedo, así como José Manuel G., como representante del proyecto de la Asociación Cultural Española.
“A veces se subestiman a los espectadores. El cine de autor no es para una élite”, afirmó IshtarYasin, que este año presenta su segundo largometraje Dos Fridas, película que le llevó ocho años de trabajo, la cual nació de la admiración que sentía a esta gran artista que fue Frida Kahlo. Según la directora, quien también encarga el personaje de la pintora, esta propuesta no es una reconstrucción histórica de su obra, es contar su pasado visto a través de las memorias de su enfermera, personaje central de la trama.
Por su parte, Monsonís recalcaba en pensar al cine iberoamericano como una expresión cultural cinematográfica y en la necesidad de crear un verdadera industria, rebasar las fronteras geográficas y rescatar a mucho más público.
Acerca de los cambios en los paradigmas de cómo se ve y se disfruta el cine también se debatió, así como en la necesidad de buscar otras maneras de llevar las historias a la pantalla grande, más arriesgadas, más dinámicas, más revolucionarias.
Dos años después de la desaparición del joven de 28 años Santiago Maldonado, en agosto de 2017,el XV Festival Internacional de Cine de Gibara realizó la presentación de El camino de Santiago, documental del reconocido realizador Tristán Bauer que relata los sucesos que conmovieron a Argentina y buena parte del mundo: la búsqueda de Santiago, los 78 días que se demoró en encontrar su cuerpo, el accionar de la Gendarmería, el regreso del fantasma de la desaparición forzada de personas y la desidia con que el caso fue tratado por múltiples autoridades del Estado, son algunos de los ejes del filme. “Este documental es un esfuerzo colectivo, una expresión de solidaridad y un reclamo de justicia”, ha comentado el director argentino.
El caso de Santiago Maldonado recorrió los medios de prensa de casi todo el mundo: ¿Qué le sucedió al joven desaparecido en medio de la represión de la Gendarmería Nacional a una protesta del pueblo Mapuche por el derecho originario a sus tierras, en propiedad del magnate Luciano Benetton? ¿Dónde está? ¿Quién lo secuestró? ¿Y quién responde, finalmente, por su cuerpo aparecido casi tres meses después a orillas del río Chubut? Estas preguntas aun reclaman justicia…
“A los pocos días de la desaparición de Santiago, de manera espontánea, nos juntamos un grupo de compañeros y compañeras, y empezamos a conversar sobre qué hacer con esto. El qué hacer tenía que ver con lo que nosotros hacemos, la investigación periodística, filmar, editar. Así se fue armando un grupo, incluso algunos no nos conocíamos al comienzo. El primer resultado de ese encuentro, con Juan Alonso como investigador fundamental, fue hacer un viaje al sur y empezar a preguntarnos nosotros qué pasaba con Maldonado”, comentó entonces el director de reconocidos cortometrajes como Cortázar (1994), Evita, la tumba sin paz (1997), Los libros y la noche (1999), premio en el Festival habanero; y Che. Un Hombre Nuevo (2010), premio en Montreal.
Con narración en off del actor Darío Grandinetti (El lado oscuro del corazón, Hable con ella, Relatos salvajes), guion de Florencia Kirchner (hija de los expresidentes Néstor Kirchner y Cristina Fernández y graduada en la New York Film Academy de Nueva York) y Omar Quiroga; fotografía de Manuel Fernández; música (temaLas ausencias) delimportante compositor argentino León Gieco,El camino…resulta un grito desde lo más profundo, en un país que registra una cifra de 30. 000 desaparecidos.Un grito que –como hemos visto– aún espera respuestas y sobre todo, justicia.
“El caso de Santiago Maldonado es una herida abierta en nuestro país, una herida que reclama justicia y sin duda el cine tiene una función social para que estos casos tengan la necesaria visibilidad y para que nos convoque a la reflexión sobre lo ocurrido y sobre lo que está ocurriendo enmi país”, añade Tristán Bauer, director también de largometrajes como Después de la tormenta (1990), con el cual obtuvo el Premio a la Mejor Ópera Prima en el Festival de San Sebastián, eIluminados por el fuego (2009), Coral en La Habana y el Goya de la Academia española.
Bárbaro Marín, Néstor Jiménez y Caleb Casas presentaron una de las noches más intensas del XV Festival Internacional de Cine de Gibara. Con la fuerza del sonido de la legendaria banda cubana de heavy metal Zeus y la exquisita intensidad de Telmary y Habana Sana arrancó la tercera jornada de conciertos en el escenario que acoge el talento de exponentes musicales de primerísimo nivel.
Confiesa, Zeus extremeció.
La legendaria banda de metal habanera vuelve a la Villa Blanca de los Cangrejos con un repertorio que escarbó en la memoria de una generación cubana de seguidores del género.Fue una epecie de homenaje a personas ausentes y otras no tanto, a espacios y momentos vividos.
Zeus, lidereada por Dionisio Arce desde hace décadas, regaló al público canciones de su repertorio que resultan himnos en los seguidores del movimiento de metal cubano. Desde Sometidos, tema de los tiempos de gloria del Patio de María hasta otros coreados como Dollar, Confiesa o Fuera de mi propiedad fueron interpretados con la particular energía que desprende la banda.
Grupo Zeus. Fotos: Adrián Aguilera
El excelente trabajo de producción del equipo La Rueda dirigido por Josué García engrandeció mucho más el show de Zeus que cerró con la interpretación de Violento Metrobús y dio pie al segundo momento de la noche para un público que estaba en una excelente vibración.
Telmary y Habana Sana: Se Formó
Por primera vez llegó a Gibara Telmary y Habana Sana para dejar en shock, un baño de sudor y buenas buenas vibras a todo aquel que en la noche de este 9 de julio estuvo la zona de conciertos del Festival Internacional de Cine de Gibara.
Telmary en Concierto. Foto: Eliécer Peña
Con la guía de los buenos espíritus, de quien la cantante pidiera el favor en un ritual afrocubano antes de iniciar, el concierto arrancó desprendiendo energía, cubanía y la fuerza de una mujer empoderada y talentosa. Más que un concierto, la presentación fue un llamado a despertar, en las féminas, el poder que tienen en el lugar que estén.
Con una interpretación y proyección escénica únicas, Telmary hace honores a lo autóctono de manera espectacular. La gran cultora y exponente del movimiento Hip-Hop cubano regaló temas que la definen y otros más recientes, recogidos en su último disco Fuerza Arará,producido bajo el sello Colibrí y nominado a los Premios Grammy Latino con el que actualmente está de gira por todo el país.
La iniciativa del Festival Una película, una manilla, un concierto resolvió que muchos jóvenes llegaran hasta la zona VIP del escenario. El resultado? Una explosión.
Telmary y Habana Sana hicieron bailar pero también reflexionar al público eufórico que la siguió y se quedó con ganas de más. Memorable resultó la exquisita interpretación de la versión de la legendaria Marilú de Juan Formell, tema que la cantante dedicara a su madre, de quien heredó todo lo bueno que es y la define.
Un momento especial de la noche fue la invitación al escenario de Sergio Ochoa, con quien interpretó Pa que enamore y el público coreó con un desborde peculiar. Fuerza Arará canción que denomina el disco que promociona, Cógela como arde famoso tema que resulta un “chucho a los amendrones” y la sabrosísima conga “Se formó” hicieron que la noche cobrara una intensidad de luz y cubanía mezclada con la delicadeza de una mujer que es y lleva consigo a Cuba.
Qué puedo decirte, si con el primer soplo de brisa extrañé tu mano acariciándome como lo hizo ella, si en la primera canción se fueron abajo todas mis alegrías maquilladas y se convirtieron en nostalgia por ti, y me di cuenta cuánto te añoro, y que no pasa un segundo sin que te extrañe.
La peña de Coralita. Fotos: Susell González
Para enamorarse, para extrañar, pero sobre todo para sentir, surge esta peña que cada año ocupa un pequeño especio en Gibara durante el Festival Internacional de Cine, su anfitriona, la histriónica Coralia Veloz, con su linda sonrisa le regala al visitante una grata sensación que solo incrementa con el placer de la estancia.
El sol se entristece y con sus últimas fuerzas alumbra el extenso sitio, exquisito por demás, pero sin aires rimbombantes, sino con una belleza que emana de su simplicidad y sencillez, no hablo de otro lugar que el recién inaugurado Almacén de la imagen, proyecto cultural que viene a coronar los esfuerzos gubernamentales por revitalizar la Villa Blanca, y el cual estoy seguro que se convertirá en epicentro de la vida de esta ciudad.
No es necesario que diga mucho cuando sus ojos chispean emocionados, su sonrisa tampoco la dejaría mentir, Coralita, como cariñosamente la conocemos todos sus alumnos de la actuación, pues en definitiva eso somos delante de la pantalla o frente a las tablas cuando esta gran maestra ofrece sus conferencias magistrales de interpretación.
“Besos, ternura, qué derroche de amor, cuánta locura”, son los versos que de vez en cuando se dejan escuchar: a orillas del Atlántico, bañado por su brisa y acompañado de una buena canción, qué más podría pedir sino tenerte aquí a mi lado.
Por primera vez en este recién inaugurado sitio y durante todos los días de Festival, la Peña se erige no solo como un rato agradable, sino uno de esos fugaces, sutiles, sublimes, qué se yo, únicos. Esta descarga es para enamorarse, extrañar al amor ausente, con notas que llegan al alma, sacuden el cuerpo y provocan los pies.
15 Edición del Festival es propicia para todo esto, la brisa te refresca, te eriza la piel en ese retozo musical, sentimental, mientras se declama un poema por creadores enamorados de la vida, autodidactas de formación, pero duchos en el sentir, en vivir. Tahimí Alvariño, primerísima actriz hija de la anfitriona, es una de esas poetas de corazón que expresan su gusto enorme por compartir otro año más mientras nos regalan uno de sus textos.
El violín que desgrana las pasiones, los sentimientos, mientras las letras sacuden el ser en un frenesí que asalta al oído, y yo no hago más que amarte en la distancia, contando los segundos para estar contigo otra vez: ¡Ay Almacén, cómo me trastocas! ¡Qué cosas tienes!
No por gusto el primer visitante la catalogó como “La tierra más hermosa”, y es que su mar, su brisa, incluso el sol, hacen de esta zona costera, un lugar verdaderamente encantador. Allí, muy cerca de la Villa Blanca, en 1492 tocó tierra El Almirante, enamorado a primera vista de nuestro terruño.
Exposición “Bahía del Almirante”. Fotos: Adrián Aguilera
Pero Gibara, señora remozada, rejuvenecida, inerte y resistente al paso de los años, no solo es encantadora por su ubicación geográfica, hay una belleza en su arquitectura, su gente, que le hacen única, capaz de engatusar a cualquiera y hacerle regresar una y otra vez a su seno.
Los esfuerzos gubernamentales de la provincia, y de esta localidad en específico, han propiciado la recuperación de inmuebles de gran valor histórico y arquitectónico, demás está decir que con estos esfuerzos constructivos se reviven encantos mellados por la falta de atención y el paso de los años.
Una de estas edificaciones es el Hotel Bahía del Almirante, sin dudas una joya que se suma a esos primeros pasos por mejorar el sistema de alojamiento de la Villa de los Cangrejos: el Arsenita o el Ordoño, son otros de estos nombres que comienzan a engrosar la lista.
El Festival Internacional de Cine de Gibara como plataforma para potenciar el turismo de ciudad deviene en escenario propicio para insertar sus actividades dentro de estos espacios, y para esta edición número 15 una de las propuestas más llamativas fue la inauguración de la expo “Bahía del Almirante”.
El lobby, pasillos y patio trasero de la llamativa construcción colonial exhibe, unido a la exquisitez y detalle con que se reparó, varias piezas pictóricas de artistas de la provincia. Cinco fueron los creadores encargados de acometer esta tarea, tres de la Ciudad de los parques, y dos del propio territorio costero.
Diez obras de las más de treinta que se muestran en las paredes de la casona, pertenecen a los dos artistas gibareños, quienes se valen de la paisajística para recrear su litoral y localidad como temática central de las piezas, y es así que la ciudad de Gibara y sus ámbitos son ilustrados a través del prisma realista de estos jóvenes y talentosos pintores, quienes a la vez se aventuran a la imaginación para concebir otras obras que recrean paisajes vírgenes, naturales, justo antes del momento de la llegada de Colón, y otras que recrean, por su parte, el propio desembarco, así como algunas de formato más pequeño que son una representación de detalles de la vida pesquera de la bahía.
Técnicas como el óleo sobre lienzo, o la mixta, así como el acrílico sobre lienzo, son empleadas por los creadores para concebir piezas con mucho cuidado del detalle y que exhiben un realismo fiel, justo a la medida de la belleza que recrean.
Héctor Fernandez Pérez, gibareño de nacimiento y uno de los cinco artistas que integran la muestra, expresó que independientemente de la interesante temática detrás de la obra, en realidad fueron concebidas por encargo, como elementos ornamentales o decorativos para el inmueble, de ambientación para la propuesta arquitectónica en su conjunto, pero que parten del diseño general de la vivienda como una propuesta integral.
“No solamente queremos darles herramientas a los jóvenes para el tema tecnológico, sino también para el emprendimiento, que es tan importante sobre todo en una ciudad como esta. Humberto Solás estuviera feliz hoy, por lo que está pasando. Hay que intentar que este proyecto, que consiste en realizar sueños, crezca dentro del Festival de Cine”, así dijo Jorge Perugorría al concluir el panel de Tecnología y Cultura, dentro del espacio Innovación FIC Gibara, el cual se desarrolla por vez primera.
Panel de Innovación FIC Gibara 2019. Fotos: Kevin Manuel Noya
En cómo aprovechar las tecnologías en beneficio de la cultura y del desarrollo social se centró el intercambio entre el cineasta y músico Fermín Muguruza, Lucas Arzola, director de operaciones del proyecto Parallel 18, Grettel Jiménez-Singer, editora Cubaness, Yondaine Gutierrez, diseñador de AlaMesa, Víctor López, con Remache Estudio y el músico y curador Adán Perugorría, representando al proyecto Galería Taller Gorría, en poblado de San Isidro.
“El arte y la cultura conectan mucho con el emprendimiento. Fue interesante que la gente pudiera entender cómo poner en práctica esas ideas para encontrar una oportunidad de negocio. Paralell 18 es un programa de desarrollo económico en Puerto Rico que esta circulado como una aceleradora de empresas tecnológicas.Buscamos emprendedores que tengan ideas de negocios innovadoras, que puedas escalar de verdad.
“Llevamos 3 años y medio y suman ya 3000 compañías de más de 60 países. Tenemos un proyecto de aceleración enfocado en el Caribe, en colaboración con Facebook”, comentó el propio Lucas Arzolade su experiencia, y afirmó la necesidad e importancia de este tipo de espacios.
Más tarde Yondaine Gutiérrez, refería: “Todos los negocios, de alguna manera, comienzan resolviendo un problema. AlaMesanació con un sitio web con 20 restaurantes, en mayo 2011. Ahora tenemos más de 1200 en todo el país. Las ideas de comunicar qué cosa es la cultura culinaria cubana, ha sido nuestro objetivo, para ello hemos desarrollado canales de comunicación, aplicaciones móviles, sitios web, por supuesto el trabajo en redes sociales, hemos desarrollado envíos de boletines. AlaMesa es totalmente gratuito para los usuarios y para los restaurantes.
Hemos creado servicios que permiten a los viajeros que vienen a Cuba asegurar una mesa a algún restaurante. Enviar comida a domicilio, participar en una experiencia culinaria. Anosotros nos interesan todaslas posibles interacciones que puedan suceder en una mesa”, añadió.
Para promover la imagen y la cultura de la Isla, surge Cubaness, hoy plataforma audiovisual con un calendario cultural actualizado, que además cuenta con un sitio web que posibilita, además, acceder a recomendaciones de restaurantes, informaciones sobre arquitectura, diseño y música, en sus diferentes secciones.
Por otra parte, Adán Perugorría contó sobre la aceptación que ha tenido su proyecto cultural, que no es solo una galería, pues realizan talleres, conciertos e invaden de arte y movimiento al consejo habanero de San Isidro, una comunidad que agradece este idea de convertir espacios físicos cotidianos, en plataformas para promover las distintas maneras de pensar la cultura.
Muguruza, habló de la influencia y el aporte de lo transmedia al desarrollo e impulso de arte contemporáneo y de la cultura, y cómo ver ese fenómenos desde el séptimo arte.
La jornada concluyó con una feria interactiva del proyecto de video juegos ConWiro, el trabajo de REMACHEstudio, como grupo dedicado a la realización audiovisual, el trabajo de postproducción, el diseño gráfico y las técnicas 3D y la experiencia de Newmen Studio, que desarrolla proyectos artísticos y audiovisuales través de colaboraciones y el uso de nuevas tecnologías.
Agnés Varda (1928-2019) es llamadapor muchos la abuela de la nouvelle vague(nueva ola) francesa, movimiento ligado a cineastas tan importantes como Jean-LucGodard, Claude Chabrol, Alain Resnais, ÉricRohmer,Jacques Rivettey François Truffaut, entre otros, y a filmes como Los 400 golpes, Hiroshima monamour, Jules et Jim, Cleo de 5 a 7, Mi noche con Maudy Besos robados.
Su primera película, La PointeCourte (1954),es considerada entre las precursoras estilísticas dela nouvelle vague,grupo unidoal nouveauroman (nueva novela) y a escritores como Margarite Duras y Alain Robbe-Grillet. Antes de adentrarse en el cine, Agnés había estudiado Historia del Arte en la École du Louvre y trabajado como fotógrafa del ThéâtreNational Populaire (TNP) de París.
Como muchos otros cineastas en los 60, Agnés fue cautivada por la Revolución Cubana. En París, Gérard Philipe y Jean Paul Sarte –quien había calificado “sin ideología” al proceso cubano, aunque poco después se inclinó en la balanza de la geopolítica mundial del lado del socialismo soviético– no paraban de entusiasmar a los jóvenes intelectuales y artistas sobre los sucesos de la isla. Ambos habían visitado Cuba a inicios del triunfo para palpar la concreción de la “utopía de izquierdas”.
Una tarde de 1960, en algún café cercano a los Campos Elíseos, un cubano, Saúl Yelín, el hombre que mejor logró insertar el recién nacido cine del Icaic en los predios europeos, según Juan Antonio García Borrero en Intrusos en el paraíso, se reunió con cuatro jóvenes cineastas franceses. Querían saber un poco más de la Revolución, un proceso que asociaban al huracán y el azúcar. Todos escuchaban exhortos al cubano: Jacques Demy, Anna Karina, Lean-LucGodard y Agnés Varda.
Querían venir, conocer, filmar… como lo había hecho el documentalista Chris Markercon ¡Cuba sí! (1961) y como lo harían otros tantos en la década de los sesenta. Hasta Godard, ese gran maestro del cine de todos los tiempos, sobreviviente, con casi 90 años, de la nouvelle vague, dijo que le “interesaría mucho hacer una película en Cuba”, pues la situación le parecía“muy interesante”.
Aquel diálogo parisino fue el impulso para que la cineasta belgavisitara Cuba y filmara en 1964 Salut les Cubains, un documental donde registrasus experiencias sobre los primeros añosde la Revolución.Articulado casi completamente desde la foto animación, deviene una especie de álbum y crónica de viajes, de apuntes antropológicos de tipos, costumbres, peculiaridades y observaciones.Como es característico de lanouvelle vague, refleja claras referencias personales, mientras muestra una panorámica social, cultural y política de la nación en efervescencia. El cine como una especie de autoconocimiento personal desde la curiosidad del visitante que (se) interroga.
En Cuba, entrevistada para Cine Cubano, la directora de Sin techo ni ley y Jacquot de Nantes aseguró: “Creo que en Europa están fascinados por lo que está sucediendo en Cuba. Primero, hay un sentimiento romántico, un cierto desconocimiento, de manera que la gente sabe pero no sabe exactamente lo que está sucediendo. […] Hay algo exagerado en todo esto, pero es fascinador para nosotros”.
Con la proyección de Salut les Cubains (1963) y VisagesVillages (Rostros y lugares) de 2017, una de sus últimas producciones, codirigida con el fotógrafo francés JR, FIC Gibara 2019 reconoce la importa mundial de Agnés Varda, cuya obra ha merecido importantes premios, como el León de Oro del Festival de Venecia, y los galardones César honorífico, Palma de Honor y el Oscar honorífico.Este último documental, especie de road-movie donde Agnés y JR recorren villas de la campiña francesa en busca de historias y personajes que JRinterpreta en piezas gigantográficas posteriormente pegadas en diferentes superficies arquitectónicas, merecióEl Ojo de Oro en el Festival de Cannes en 2017, entre otros importantes lauros en los festivales de Toronto y Vancouver.
